04. CINE RECIENTE

- Lenguaje> Ritmo:
-Concepto:  El ritmo es uno de los conceptos más abstractos y difíciles de definir dentro del relato audiovisual.
Podemos describir el ritmo como la velocidad de progresión emocional, cuyo punto álgido denominamos clímax. O bien, recordando a Hitchcock, argumentar que, más importante que los momentos culminantes de la acción, es el camino que hemos seguido para llegar a tales momentos.
-Ritmo y Montaje : El ritmo de una película depende del tiempo que se crea en ella, y de cómo el montaje dispone la duración de los planos y relaciona los hechos que se narran.el movimiento en la puesta en escena, el uso de la cámara o el sonido. Con todo ello se puede crear un compás uniforme o un tempo dinámico, conviene recordar la importancia que tuvo la aparición del cine sonoro en un momento en el que el cine mudo había desarrollado sus propios recursos de expresión rítmica. Durante las fases de creación de la película y en particular durante el montaje, es fundamental:
- decidir cuándo se salta de un punto de vista a otro
 - acompasar los movimientos entre plano y plano
 - y decidir cuánto tiempo va a permanecer una imagen en pantalla.

Para que la película funcione, cada plano debe ser inteligible, y su duración viene marcada por: su complejidad y su significado.

La complejidad de la imagen depende, a su vez, de estos elementos:

- Tamaño del plano. Normalmente permanecerá más tiempo en pantalla un plano general que un primer plano.

 - Movimiento interno y externo del plano. Un plano con movimiento de cámara o con movimiento de personajes u objetos tiene una menor impresión de duración que un plano estático.

 - Profundidad de campo. Se dedica más tiempo de observación a un plano con mucha profundidad de campo, ya que necesita más tiempo de lectura, al haber más elementos a foco que en un plano sin profundidad.

 - Otros: Iluminación, encuadre, composición. Un plano luminoso se lee antes que otro con claroscuros. Un plano más estético aguanta más tiempo, etc..

El significado del plano. 

Cambios de plano

El plano es una unidad de significación compleja que ofrece información visual y también información emocional, expresiva. Es importante que los planos tengan un valor en sí mismos y que la unión de unos con otros muestre algo interesante o emocionante.

Ritmo Dramático:
películas como La palabra, de Dreyer, o Azul, de Kievslovski, cuya cadencia en los cambios de plano es muy lenta. Desde una perspectiva superficial, se puede decir que son películas de ritmo lento, Si cada plano se corta justo en el momento en el que el espectador demanda nueva información, se mantiene vivo su interés. De este modo se consigue el ritmo de atención. En Los Pájaros, de Hitchcock, en la conocida escena del ataque de los pájaros, Hitchcock alarga lánguidamente los planos previos a la escena del ataque.

Expresar con El Ritmo: 
El ritmo depende de factores fundamentales como el tratamiento del espacio y el tiempo, pero también se apoya en otros elementos, desde el guión y la interpretación hasta las diversas técnicas empleadas en las tomas: iluminación, composición, movimiento, fotografía y sonido.
Una película como Mad Max, de G. Miller, repleta de persecuciones de vehículos, demanda un montaje rápido.las tomas largas con lentos diálogos en una película como La aventura , de Antonioni, transmiten la sensación de soledad y de monotonía en una pareja cuya relación se descompone.

Lenguaje > La narración.
La forma y el contenido: 

La forma es el sistema narrativo y estilístico global de relaciones entre todos los elementos de una película.
La película en cuestión será de interés cuando los elementos que la componen funcionan para construir su estructura total, con sus propias normas de organización, con su propio sistema.

El contenido, que es lo que dice o sugiere la película, el tema, o temas, y las ideas que contiene.

Las emociones y los significados del contenido que siente y percibe un espectador dependen de su conocimiento y de sus expectativas sobre la cultura y sobre el medio cinematográfico.

Cuando se analiza y se explora una película, se pueden encontrar diferentes tipos de significados:

referenciales, que se ven y se oyen, y que sitúan al espectador en un tiempo y un espacio con los hechos que se muestran

explícitos, que son sugeridos y se desprenden directamente de los acontecimientos mostrados y de lo que expresan los personajes

implícitos, que no se muestran pero que el espectador, con su modo particular de análisis formal y de contenido, puede deducir y atribuir al interpretar lo que ve y lo que oye.

ideológicos o sintomáticos, al atribuir causas sociales a los otros significados.

La narración:
Una historia o narración es una serie de acontecimientos, con un inicio y un final, que transcurren en un tiempo, de los que se hace una exposición ordenada con relaciones causa-efecto, y que se desarrollan en unas situaciones, en un espacio. Generalmente, los acontecimientos suceden a unos personajes o se desarrollan por medio de éstos. La historia que se cuenta se compone con los hechos que se presentan (argumento) y con los que deduce el espectador a partir del proceso de información y de la forma en que se presentan los segmentos de información.

Quien narra: 
La información que se da al espectador puede ser más amplia que la que conocen los personajes o bien estar limitada a lo que estos saben. Si la película, o una parte de ella, se dice desde el punto de vista de un personaje, o con su voz over, éste es el narrador. La información se limita a lo que él ofrece.
Cuando la historia se repite desde el punto de vista de varios personajes, se construye un relato múltiple.
Otras veces, el espectador puede saber (ver, oir y suponer) más que lo que los personajes relatan, al recibir en la narración información externa a éstos.
También, puede haber un narrador en off.

Cómo se narra:  
La historia se cuenta articulando los enunciados: visual (puesta en escena, encuadre, movimientos de cámara, montaje,...), verbal y musical. Con estos enunciados se construye el mundo diegético de la historia, el tiempo, el espacio y los personajes, con una determinada "voz" del narrador responsable del relato, de la película.La exposición de los acontecimientos se puede hacer desde diferentes puntos de vista:
objetivo, sin hacer evidente quién ve lo que hacen y dicen los personajes (el punto de vista es externo a ellos) y sin cuestionar al espectador
subjetivo, cuando un personaje (y a su vez el espectador) es el que observa los acontecimientos
efectista, con el uso exagerado de la cámara, de modo no normal o natural
o interpelando al espectador, con la mirada a cámara o verbalmente.

Formas no narrativas: 
Hay películas y audiovisuales que no son narrativos. Incluso dentro de una obra que cuenta una historia puede haber partes que no son narrativas. Los documentales sobre naturaleza y viajes y las retransmisiones deportivas utilizan la forma categórica, diseccionando el tema en partes, en categorías, y exponiéndolas objetivamente dentro de un desarrollo simple. Los anuncios publicitarios, las campañas políticas o las películas con ideología o propaganda tratan de convencer de algo con argumentos persuasivos de todo tipo para que el público tenga una opinión determinada sobre un tema. Su forma es retórica. Las películas artísticas utilizan la forma abstracta como un ejercicio de estilo dirigido a la contemplación. Tratan un tema visual con variaciones organizadas como una estructura musical. Y hay películas que yuxtaponen imágenes de temas distintos buscando comparaciones, metáforas y significados implícitos mediante asociaciones. Su forma es asociativa.


Análisis Cinematográfico > Ciudadano Kane.
Ciudadano Kane es una película muy rica narrativamente. En ella encontramos multitud de recursos que son utilizados por Welles con la profusión del que maneja a la perfección su propia lengua.


Profundidad de Campo
Conseguida con objetivos de distancia focal corta, gran-angulares, con un ángulo de visión más amplio que el del ojo humano. Con ello se magnifica el espacio, se muestran varios planos (en profundidad) en uno y se potencia la puesta en escena. Todo esto afecta a la forma de narrar.En la secuencia en la que Kane celebra la contratación de la plantilla del Chronicle para su propio diario, hay dos personajes (su mentor y su mejor amigo) que se plantean el acierto de dicha contratación. Mientras asistimos a esta conversación en el primer término de la imagen, al fondo vemos a Kane bailando con las vedettes del espectáculo.

Tratamiento del tiempo: 
El director y el guionista concibieron multitud de elipsis en la planificación, para comprimir el tiempo, pero además, decidieron que, lejos de contar linealmente la vida de Kane, iban a hacerlo con flashbacks (saltos atrás en el tiempo), con las evocaciones de los personajes que le conocieron.
En las diferentes representaciones de ópera de Susan Alexander, la segunda mujer de Kane, los planos de ella sobre escena se suceden con los titulares de periódicos que confirman uno tras otro los desastres de cada nueva actuación.En la famosa secuencia de los desayunos entre Kane y su primera mujer, con unos pocos planos, unidos con barridos de cámara, se muestra el deterioro del matrimonio durante años. Además se da más información sobre el personaje, que sigue absorto en su trabajo y se ha propuesto ser candidato al Gobierno. El veloz crecimiento del niño Kane al Kane adulto, se resuelve con una elipsis, que en apenas tres planos con su trineo le hacen crecer 20 años.

Ritmo: 
Las elipsis se suceden sin solución de continuidad. Todos los elementos apoyan esta idea: encadenados entre imágenes, cabalgados de sonido, analogías visuales entre un plano y el siguiente... El encadenamiento entre un plano y el que le sucede es tan rápido que apenas tenemos tiempo de meditar sobre su ascenso (exactamente igual que el personaje). Sólo a medida que el "Welles empresario" va siendo más "Welles persona", el ritmo se hace más pausado: así asistimos al enamoramiento entre Kane y Susan, o a la noche fatídica en que su mujer y su rival político le condenan a abandonar su carrera, y por supuesto, hacia el final de la película, en la escena en que su mujer le abandona. Ciudadano Kane, una producción de la RKO de 1940, fue la primera película dirigida por Orson Welles. Ese mismo año había llegado Welles a Hollywood, gracias sobre todo al impacto causado por su legendaria adaptación radiofónica de La guerra de los mundos. Ciudadano Kane costó 686.000 dólares, inversión que no sería recuperada por el estudio. Pese a la escasa repercusión en taquilla, las críticas de Ciudadano Kane fueron, desde el principio, entusiastas. La película recibió un Oscar por el guión.El rodaje de Ciudadano Kane se inició en julio de 1940, llevándose a cabo bajo un enorme secreto para evitar de esa manera las represalias de William Randolph Hearst. Pese a lo secreto del rodaje, parece ser que el guión de la película pudo llegar a las manos de Hearst debido a una inocente imprudencia de Herman Mankiewicz. Aunque el proceso de producción siguió inalterable, la batalla no tardaría en entablarse. Los periódicos de Hearst iniciaron una feroz campaña contra la película, con la intención de que la RKO destruyera los negativos de la misma. El primero en responder a esta llamada fue el presidente de la Metro-Goldwyn-Mayer, Louis B. Mayer, quien hizo una oferta a la RKO de 842.000 por la compra de la película para posteriormente destruirla. Los tentáculos del magnate de la prensa se extendieron hasta el propietario del Radio City Music Hall, local en el que debía de hacerse el estreno mundial de Ciudadano Kane, haciendo que éste cancelara la proyección. En cierto modo puede decirse que Hearst se salió con la suya, ya que Kane terminó trabajando en Europa con producciones menores (al menos entonces lo parecían). La responsabilidad de la cámara corrió a cargo de Greg Tolland. La música la compuso Bernard Herrmann.

03.CINE SONORO

¿Cuáles son las principales aportaciones  del cine sonoro?

En el año 1926, la productora Warner Brothers introdujo e primer sistema sonoro eficaz, conocido como Vitaphone, consistente en la grabación de las bandas sonoras musicales y los textos hablados en grandes discos que sesincronizaban con la acción de la pantalla.

Un año después, en 1927, la Warner lanzó El cantor de jazz , de Alan Crosland. Su eslogan sacado del texto de la película “aún no has oido nada”, marcó el final de la era muda.

Hacia 1931, el Movietone, que grababa el sonido directo a la película, en una banda lateral. Este invento fue inventado por Lee Forest.

El cine sonoro pasó a ser un fenómeno internacional de la noche a la mañana.

Entre los cortometrajes que realiza durante estos años, destacan Vida

de perro (A dog's life, 1918), ¡Armas al hombro! (Shoulder arm's!,

1918), Día de paga (Pay day, 1922) y El peregrino (The pilgrim,1922).

-Resume las ideas principales en tu blog.

Charles chaplin

El cómico y cineasta británico Charles Chaplin es una de las personalidades más destacadas de la historia del cine. Las películas que dirigió y protagonizó han mantenido su popularidad a lo largo de los años y continúan siendo contempladas con deleite por personas de distintas generaciones.

Figura pionera de la cinematografía, Chaplin supo sacar partido de sus extraordinarias dotes como mimo para convertirse en uno de los personajes más populares del cine mudo. Destacó por su capacidad para combinar el humor con el sentimentalismo en unos argumentos de gran complejidad. Su gran dominio de la gestualidad y su capacidad para crear situaciones hilarantes le permitieron superar las limitaciones que imponía el hecho de no poder valerse del lenguaje oral. De esta manera, elaboró un cine basado en la pantomima y en la expresividad de la imagen, que ha sido imitado décadas después por cómicos como Mel Brooks o Mister Bean.

Chaplin se hizo popular gracias a su Charlot, probablemente el personaje más famoso de la historia del cine. Las aventuras de este vagabundo ingenuo y sentimental han sido exhibidas en infinidad de ocasiones. De hecho, es difícil que alguien sea incapaz de identificar a este personaje de peculiar bigote, que viste pantalones anchos, chaqueta estrecha, un sombrero de bombín desvencijado y que empuña un bastón de caña: su imagen ha sido reproducida hasta la saciedad en revistas, periódicos y programas de televisión.

Algunas de las películas de Chaplin se han convertido en verdaderos clásicos y han despertado la admiración de los cinéfilos, como ocurre con El chico (The kid, 1920), La quimera del oro (The gold rush, 1925) o Luces de la ciudad(City lights, 1931). Otros de sus filmes han destacado por su capacidad de reflejar con ironía los acontecimientos históricos. Es lo que sucede, por ejemplo, con Tiempos modernos (Modern times, 1935), obra en que se trataban de forma crítica las consecuencias de la industrialización y el capitalismo, ect.

Alfred Joseph Hitchcock

Alfred Joseph Hitchcock nació en Londres, el 13 de agosto de 1899 en el seno de una familia de clase media. Sus padres, tenderos, proporcionaron al Alfred y a sus dos hermandos mayores una educación estricta.

Debido a su aspecto y a su timidez, fue un niño tímido, que estudió en el Saint Ignatius College pero, debido a la muertede su padre, tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en la Compañía telegráfica Hanley.
Enamorado del cine desde niño, se adentra en ese mundo en 1920, rotulando de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Posteriormente, fue montador, director artístico y guionista en películas. En esta etapa conoció a Alma Reville que trabajaba como montajista y con quien se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas de su marido. El 7 de julio, nace su hija Patricia, que participaría como actriz en Extraños en un tren.
En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13, que nunca vería la luz. Dos años después dirigió en Múnich su primera película: El jardín de la alegría, que obtuvo un gran éxito. A esta cinta le seguiría La muchacha de Londres, en 1929, Asesinato, El hombre que sabía demasiado y 39 escalones, que le convirtieron en un reconocido director.
En 1938 fue contratado por el productor de Lo que el viento se llevó, David Oliver Selznick, por lo que se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1939. Fruto de este contrato es la adaptación de la novela de Daphne du Maurier, Rebeca. El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. La segunda película americana de Hitchcock, Foreign Correspondent, también fue nominada a mejor película.
A lo largo de las tres siguientes décadas, dirigió una película al año. En todas ellas se reservaba una breve aparición. 

En 1944 creó su propia productora junto con Sidney Berstein: la Transatlantic Pictures. Ese mismo año, comenzó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera de las rubias a las que convirtió en musa. Con ella rodó Encadenados yRecuerda, en cuyos decorados contó con la colaboración de Salbador dali. En 1948, el director encontró a su segunda musa rubia, Grace Kelly, quien protagonizaría La ventana indiscreta, Crimen perfecto y Atrapa a un ladrón.
Su dedicación al cine se complementó durante un tiempo con la producción de una serie televisiva, presentada por él mismo, con historias cortas, en la misma línea que sus películas.
En 1958 recibió varios premios: el Globo de Oro a la mejor serie de televisión y la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por Vértigo, protagonizada por otra rubia, Kim Novak.
En 1959 rodó Con la muerte en los talones y un año después Psicosis, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh y uno de los mayores éxitos de su carrera.
En 1963 dirigió Los pájaros protagonizada por Tippi Hedren, su nueva musa, con la que más tarde rodaría Marnie la ladrona.
En 1968 recibe un Oscar Honorífico. Además de otros galardones, en 1979 recibe también el título de Sir, de manos de la reina Isabel II
Alfred Hitchcock falleció el 29 de abril en su casa de Los Ángeles a los 80 años.

El sonido

1927 fue una fecha clave en la historia del cine. En este año apareció El cantor de jazz de Alan Crosland, que ha venido a considerarse como la primera película sonora del cine. A partir de esta fecha, el cine habría de sufrir un giro brusco hacia una nueva forma de expresión artística: el lenguaje audiovisual.

El cine sonoro es un cambio radical, casi traumático, si se valoran dos aspectos:

La introducción del sonido llevó aparejada, debido a aspectos técnicos, la vuelta de la cámara a la inmovilidad de años atrás.

La innovación técnica del sonoro no fue acogida de igual manera por todos los miembros del mundo cinematográfico.

Así, mientras compañías como la UNITED ARTIST lo recibieron con gran satisfacción. Los directores rusos fueron quizá los que más explícitamente se posicionaron frente a la llegada del cine sonoro, o al menos frente a una utilización simplista del mismo. Así, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov firman el manifiesto "El contrapunto orquestal", en el que defienden un uso contrapuntístico del sonido, en conflicto con la imagen que lo soporta, para generar sentidos añadidos a lo que se describe.

 El sonido aporta una serie de ventajas:

Mayor realismo.

Más información, con la consiguiente economía de planos.

Potenciación del fuera de campo, ya que el sonido sugiere espacios y acciones que no se ven en el encuadre.

Utilización expresiva del silencio con fines dramáticos.

Y potenciación de otros géneros: policíacos, comedia, documental histórico y didáctico, etc...

El sonido en el cine, se ha convertido con los años en un elemento con tanto alcance como otras técnicas cinematográficas y con tantas posibilidades creativas como el montaje.

Elementos del Sonido

La banda sonora del film consta básicamente de tres elementos: voz humana, ruidos, música y silencio. Estos elementos pueden ser diegéticos o no diegéticos, si la fuente emisora pertenece o no al contexto narrativo. Los diegéticos, pueden ser in (en campo) u off (fuera de campo).

1. El diálogo

Puede cumplir una doble función: Informativa: como soporte de parte de la información argumental. Expresiva: los diálogos pueden transmitir las emociones de los personajes, participando del sentido de la película y creando relaciones significativas. 

2. La música

Hay directores que no son capaces de concebir su obra sin el acompañamiento musical, en el que ya piensan a la hora de planificar las imágenes. Una música nos sirve para subrayar emociones, para crear estados de ánimo, para aglutinar planos dispersos entre sí, para envolver unas secuencia de montaje, para suavizar cambios de planos que resultan bruscos...

Es frecuente el uso de motivos musicales que se repiten dentro de una misma película, asociando estados de ánimo a situaciónes o a personajes.

3. Los efectos de sonido

Los efectos sonoros son utilizados en paralelo a las imágenes o como contrapunto y se convierten en elementos de importancia expresiva, creando ambientes y emociones, y dando fluidez a la narración.

En general, se consideran efectos de sonido a todos aquellos ruidos que se destacan del sonido ambiente para recibir un tratamiento especial: disparos, pasos inquietantes, ecos y reverberaciones, etc.

4.- El silencio

El silencio en una banda sonora, puede ser un elemento inquietante o anticipador de algo que va a ocurrir. Sirve también para crear contrastes rítmicos o estados de ánimo. En algunas obras es un elemento dominante, utilizado con plena intención expresiva.

5.- El Ritmo

El ritmo implica una serie de compases más fuertes y más débiles y un tempo. Organizando los elementos sonoros.

Expresar con Sonido

Usos expresivos del sonido:

Paralelismo sonoro, si el sonido se corresponde en sentido realista con el contenido de las imágenes.

Contrapunto sonoro, si el sonido entra en conflicto con la imagen buscando nuevos significados.

En general al ver una película podemos concentrarnos en los elementos de sonido y cuestionar qué se pretende y qué se consigue con ellos. En el mejor de los casos descubriremos que la banda sonora cobra relevancia junto a las imágenes visuales y que condiciona nuestra percepción de la narración.

La música (no diegética) inquietante de Bernard Herrmann subraya el momento en que Norman Bates (Anthony Perkins) vigila tras la pared a Marion, con una incidencia especial de violines cuando aparecen los planos de ella. Luego la música da paso a un silencio anticipador tan solo roto por exagerados sonidos diegéticos de papeles rotos, de la cisterna, del envoltorio del jabón y del agua de la ducha. Este silencio está preparando el climax de la secuencia, el crimen, que se acompaña con música estridente, gritos y sonido de cuchilladas ( que hacen innecesario mostrarlas visualmente). Para terminar, tras la música final, que acompaña como un requien el último aliento de Marion.

-Visiona breve secuencia de Chaplin ¿de qué manera transmite las ideas o sentimientos que aparecen?
Charli Chaplin expresa unos sentimientos de pobreza respectivos con la epoca, en la cual debe de enseñar al niño de romper cristales y él en repararlos y así sacarse un poco de dinero, hace que  espectador  pase un buen rato de humor, y con el fondo de sonido nos centra mas en el corto y nos da ese toque de humor que le complementa a la secuencia.

-Visiona breve secuencia de Hitchcock  y analiza sus elementos visuales y sonoros. 
La película “the jazz singer”, es conocida también como “El cantante de jazz” o “El cantor de jazz”, que fue dirigido por Alan Crosland. Ésta fue la primera que utilizó el sistema sonoro llamado “Vitaphone”.

A partir de ese momento, las cintas cambia de manera radical, excepto con algunos directores de cine nostálgicos de un género mudo, que según ellos, se bastaba a sí mismo. Desde entonces, las comedias musicales se multiplicaron.
La obra teatral “El canto del jazz” había sido un éxito en su versión original de 1925 y revivió en 1927 con Al Jolson como protagonista. Cuando la Warner Bros, rechazó las condiciones salariales de George Jessel, obligando a él a rechazar el papel principal, el estudio se acercó a Eddie Cantor, quien tampoco le pareció atractiva la oferta The Jazz Singer, es uno de esos musicales, en los que las actuaciones no aportan nada a la historia. Pero aunque no complementen la historia, cada vez que vemos a Al Jolson, interpretando una canción, es un momento maravilloso. Hasta hace poco, no conocía al actor, pero a partir de ahora buscaré algunos de sus otros musicales, ya que me ha encantado como deslumbra con sus canciones.Mi momento musical favorito del film, es la canción que le dedica a su madre.

02.CINE MUDO

-Resume las ideas principales en tu blog

El nacimiento de una nación es, debido a su técnica, una de las películas
más famosas de la época del cine mudo y también una de las más polémicas 
por promover lasupremacia de la raza blanca y describir el supuesto heroísmo 
de los miembros delku klux klan.


En la película de la que estamos hablando existen algunas secuencias
magistrales y toda la película está salpicada de aciertos:

La utilización del plano detallados permite destacar elementos de la acción 
con gran carga dramática.

Así ocurre con el plano de la flor que el encandilado

Stoneman le entrega a su amada; o la foto que Cameron ve

de su amor platónico,etc.

Algunos de estos detalles son recortados visualmente con

cachés (catchs), recurso que Griffith utilizó con profusión.

La utilizacion de los planos generales 

Nunca el cine había ofrecido espacios tan amplios, mostrando

la inmensidad de los campos de batalla,

extras y efectos especiales en la pelicula.

Estos planos se utilizan de forma expresiva, como en la escena en que

Lincoln tiene que tomar decisiones drásticas de guerra. 

Con el montaje paralelo Griffith crea contrastes dramáticos

entre las acciones. En la secuencia previa a la partida de las

tropas sureñas al frente, en las que se montan en paralelo

tres acciones: el baile de despedida, la celebración en la

calle con fuegos artificiales, y la inquietud en los hogares

donde mayores y niños esperan la inaplazable partida de las

tropas. 

La profundidad de campo.

Utilizando objetivos de distancia focal corta con un ángulo amplio

y  las distancias y el espacio, de modo que en un solo plano se
muestran varios planos visuales en profundidad, con más información
que además puede ampliarse rápidamente en la misma toma con

travellings, panorámicas.

Fases de la Producción Audiovisual

Desde la idea original, hasta que la película se estrena en las pantallas, se recorre un largo camino

que a grandes rasgos podemos dividir en tres fases: preproducción, producción y postproducción.

 -Preproducción

Es la fase de creación del guión. Uno o varios guionistas, individualmente o en

colaboración con el director, escribe el guión, que es la plasmación literaria de lo que se

verá en imagen.

 -Producción

Una vez concretado el guión, comienza la preparación para gravar las imágenes, búsqueda de

financiación de la película, contratación de personal técnico-artístico, localización de exteriores y

decorados...etc

En esta fase ya está implicado todo el equipo de producción de la película.

 -Postproducción

En paralelo a la fase de rodaje, y en mayor medida al finalizar se ensabla los planos

rodados. En esta labor participan el equipo de montaje y el 

director de la película. 

Esta última etapa de montaje es, además de un período mecánico en el que el

montador "pega" un plano tras otro, una fase en la que se terminará de concebir el sentido último del

relato fílmico. 

El montaje 

Para hacer una película hay que decidir qué se filma y cómo se
filma.
Ya que de cada escena se hacen varias tomas, y que existen miles de tomas diferentes en una película, el montaje constituye una ardua labor.

 Siguiendo la trama del guion, el montador, en general, tiene libertad para montar las diferentes tomas realizadas de una escena de la manera que estime más apropiada. Asimismo puede utilizar más o menos metraje de película de cada toma, y decidir cómo enlazar una escena o secuencia con

 la siguiente. Por todo ello se considera que el montaje es una de las disciplinas

 fundamentales en la realización de una película.

Fundamentos Psicológicos:

La narración basada en el montaje fue un descubrimiento colectivo que empezó
a tomar cuerpo definitivo con D. W. Griffit, allá por 1914.
La produccion narativa recibe todas partes de emociones por parte del expectador,
espresandolo desde el diglo XX con el montaje,
buscando significados que surgen de la unión de los planos.

El Efecto Kulechov

Lev Vladímirovich Kuleshov fue uno de los pioneros del cine soviético. Cineasta y teórico famoso por sus experimentos en torno al montaje del cine, Kuleshov aportó experiencias y conocimiento en torno al lenguaje cinematográfico.
Colocó el rostro del famoso actor de cine ruso del momento, Iván Mosjovkin, ante tres imágenes distintas (un plato de sopa, una niña muerta y una bella mujer). A los alumnos con los que probó les preguntó que sensación les transmitía el rostro del personaje (hambre, pena y deseo respectivamente, a pesar de que la imagen del rostro era siempre la misma, exactamente la misma). Por tanto, lo importante no es tanto el contenido de esos planos, sino la manera de combinar éstos.(Primera conclusión).
La segunda conclusión es que es posible, que gracias a la combinación de dos planos para los que no se da un plano anterior de situación que el espectador crea que esos dos planos han sido rodados en un mismo espacio. De ahí saca Kuleschov su idea de la magia del cine y de la capacidad del público de ser engañado. “El efecto Kuleschov puede definirse como cualquier serie de planos que en ausencia de un plano de situación lleve al espectador a deducir todo el espacio a partir de la visión solamente de porciones de ese espacio”.

Diferentes Opciones:

A lo largo de la historia del cine se desarrollan distintos estilos de montaje, y sigue abierta la

posibilidad a otros nuevos estilos.

Muy a grandes rasgos, podemos considerar dos grandes estilos:

            -Estilo naturalista o clásico:a este grupo pertenecen todas aquellas películas que intentan que su
montaje de planos pase desapercibido.
            -Estilo formalista o rupturista: en este cine se intensifican los
recursos de montaje. Abundan los movimientos de cámara forzados,
los cambios de plano bruscos, el uso de sonidos no justificados por la
acción, la iluminación estridente, etc. 

-Visiona el video del efecto kulechov.

Lev Vladimirovich Kuleshov demostró la necesidad de considerar el montage como la herramienta básica del arte del cine gracias a su famoso experimento.
Kuleshov montó tres escenas que proyectó ante tres públicos diferentes.
La primera escena consistía en un plano de un plato de sopa, y después un primer plano del actor Ivan Mozzhukhin.
En la segunda escena se podía ver el cadaver de una niña seguido de un primer plano del mismo actor.En la tercera, antes del plano del actor,Kuleshov,proyectó la imagen de una atractiva mujer.
Los tres diferentes públicos alabaron la capacidad interpretativa de Ivan Mozzhukhin.
A pesar de que en las tres escenas el primer plano del actor era exactamente el mismo la gente captó sin ninguna duda los sentimientos que mostraba;hambre,tristeza y deseo.

-Visiona la escena de los videos que hay a continuación y comenta alguno de ellos.

Charles Chaplin- The kid

Una de las grandes genialidades de Charles Chaplin . Rodada en 1921 es ya considerada una obra maestra del cine universal. Esta es la versión muda con la música que Chaplin compuso para ella en 1971. Dispone de subtítulos en diferentes idiomas.

La historia cuenta como Charles adopta a un niño que encuentra en la calle . A los 5 años la madre quiere recuperar a su hijo al reconocerlo , Chaplin hará todo lo posible para quedarse con su niño.

Al final Charles se hace amigo de la madre para poder ver al niño.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=qNseEVlaCl4

01. EL DESCUBRIMIENTO DEL CINE

- El éxito del cine desbordó a sus propios inventores ¿podrías comparar ese fenómeno con algún otro más reciente?

Sí, el éxito del cine desbordó a sus propios inventores y a la gente y hoy en día se podría comparar con internet que es para la vida de hoy en día.

-Comenta breve mente qué elementos se utilizan para expresar el espacio y el tiempo.

Una vez escrito el guión, este pasa a manos del director, encargado del montaje y en rodarlo. Esta tarea se traduce en la toma de una serie de decisiones, que afectan fundamentalmente a dos parámetros: espacio y tiempo.

      - Espacio: Básicamente, qué tipo de plano se va a rodar en cada situación. Hay una selección espacial: de toda la escena, se "selecciona" un espacio que abarca el busto y rostro del personaje (primer plano). En este momento, empiezan a surgir implicaciones expresivas.  Además, si este primer plano se hace

con la cámara enfocando desde el suelo, tendremos un plano contrapicado,el hacerlo contrapicado (desde abajo) ofrece un peculiar aspecto visual y tiene otras implicaciones expresivas: el personaje, probablemente, se verá relativamente engrandecido respecto a un plano sin angulación (con la cámara en paralelo al suelo).

      - Tiempo: En la fase de montaje se "selecciona" cuánto va a durar un plano en pantalla y en general

cómo se van a articular las duraciones entre unos planos y otros.  Lógicamente, que tenga

una u otra duración tendrá sus repercusiones expresivas, por un lado, y rítmicas, por otro. Además,

entre este plano del personaje y el siguiente pueden transcurrir décimas de segundo (montaje

continuo) o años enteros (elipsis). Con estas duraciones entre planos se va creando el tempo especial

de la película.

-Resume las ideas principales en tu blog.

-Encuadre, campo y fuera de campo:

      

       - Encuadre: es el límite físico de la imagen, en el que intervienen lo que se ve en pantalla, partiendo de sus movimientos, perspectivas, profundidades del campo y efectos especiales.

El encuadre afecta a:

-Tamaño y forma de la imagen.

-Campo y fuera de campo.

-La distancia y el ángulo de visión

-Al movimiento en la puesta en escena.

        - Campo: es todo lo que se muestra dentro de os bordes de la imagen..

        - Fuera de campo: es el conjunto de elementos espaciales y sonoros dentro del espacio de la escena, pero en una zona que no muestra en la pantalla.

-Tipo de plano:

          

          -Un plano es: en el rodaje , cada una de las tomas.

Una película suele tener entre 5 y 40 fragmentos-secuencia y mas. El plano es una unidad muy compleja en la que se combinan todos los elementos de decorado, atrezo, personas, fotografía y tiempo. La clasificación de planos está referenciada a la figura humana.

      -Gran plano general(GPS): Descriptivo, visión general de un paisaje, espacio o multitud donde se desarrolla la acción .

       -Plano general(PG): puede incluir a los personajes. Si es un plano general corto, muestra la figura completa en relación con el entorno.

       -Plano medio(PM): la figura cortada por la cintura. Nos acerca al personaje. Puede ser PML plano medio largo.

         -Primer plano(PP): muestra la cabeza o el rostro y con ello el carácter , la intención , los sentimientos... Si muestra solo una parte es un primerísimo plano.

          -Plano detalle(PD): dirige la atención a algún centro de interés de tamaño pequeño.

El encuadre móvil es característico del cine. El encuadre cambia dentro de un plano con movimientos de cámara:

    

             -Panorámica: La cámara gira, como si girásemos la cabeza, recorriendo el espacio o siguiendo a los personajes.

             -Travelling: La cámara se desplaza, trasladando el trípode, al hombro, sobre ríeles.

             -Plano grúa: La cámara se mueve por el aire en todas direcciones.

             -Zoom: La cámara no se mueve, es el objetivo con diferentes distancias focales el que abre o cierra el espacio, alejando o acercando las figuras, y en definitiva cambiando el encuadre.

Otros conceptos sobre planos:

          -Planos trucados con efectos especiales: sobre impresiones, retro proyecciones, planos truca. En estos últimos se graban por separado las personas y los decorados.

               -Plano subjetivo, la cámara mira a través de los ojos de un personaje y nos muestra lo que ese personaje está viendo.

                 -Plano-contraplano, es el intercambio de planos entre personajes que conversan.

                 -Plano picado: plano en el que la cámara enfoca a lospersonajes por encima de la altura de sus ojos. Una variedad del plano picado es el plano cenital (o picado puro), que se produce cuando la cámara se sitúa justo encima de los personajes.

                  -Plano contrapicado: plano en el que la cámara enfoca a los personajes justo por debajo de la altura de sus ojos. Una variedad del plano contrapicado es el plano nadir o contrapicado puro, que se produce cuando la cámara se sitúa justo debajo de los personajes

           

-Comenta alguno de los videos que hay a continuación o de los que aparecen citados en el texto.

Las películas  Lumière, con la duración de 50 segundos, muestran escenas naturales: Tren llegando a la estación, en la cual graban en una secuencia continua sin que el cámara cambie de posición y finalmente este  tren se marcha.